Las tendencias nos pueden dar muchas variables entre las que podemos elegir y no significa que una sea mejor que otra, simplemente atienden distintas necesidades y gustos.
¿Cómo es que un estilo puede ser tan perfecto en su entorno y al mismo tiempo oponerse a otro?, esto es muy característico de las corrientes donde una se opone a la otra pero lo que las hace importantes en la historia son las características con las que cuentan o lo que desean expresar.
Para ejemplificar que este fenómeno de contraposición también existe en la moda podemos ver el caso del arquitecto parisino Pierre Balmain quien entró en el mundo de la moda y en su tiempo junto con Dior estaba a favor de la renovación de los vestidos de la posguerra con una silueta femenina presentando un busto alto y talle estrecho que realzaba el cuerpo, Balmain se dio a conocer por sus trajes de noche en crinolina con aparatosos bordados, inspirados en motivos del siglo XVIII, también creó el estilo “Jolie madame” que era un corte muy entallado y elegante, por otra parte la diseñadora Coco Chanel a quien conocemos por su carácter firme y actitud feminista nos mostró una silueta que también se desarrollo en una crisis de guerra en la que la silueta era femenina pero de una mujer independiente, Chanel se contrapuso a la moda recargada que imperaba en aquel tiempo, diseñando prendas sencillas, cómodas, de líneas rectas, pero con un su toque de esnobismo, es decir, que simulaba ser una persona de alta alcurnia, también creó el largo Chanel Chanel (a rodilla o un poco más abajo) que la caracterizó.
Estilo Jolie madame creado por Balmain, hombros anchos y falda ajustada.
Largo Chanel (a rodilla). Chequen la silueta recta que se opone a la ajustada propuesta años más tarde por Balmain.
Estas tendencias dadas en su contexto atendían las necesidades de las damas y no quería decir que una propuesta de entallar y vestir glamourosa estuviera mal o fuera mejor por ser más elegante, o que uno fuera más varonil usando prendas como las de Coco en las que no remarcaba la figura, sólo es que los diseñadores tuvieron que buscar en que se iban a enfocar, inclusive si no seguían el mismo objetivo como Balmain y Dior, no importa si se contrapone de eso se trata la moda, de ser diferente a los demás y con ello cada uno sabrá con que tendencia prefiere quedarse.
Vestido Pierre Balmain.
Vestido Balmain, la marca sigue conservando sus raíces por los bordados del siglo XVIII.
Diseños actuales de la marca Balmain, los colores y bordados nos remontan al pasado.
Vestido Pierre Balmain, con volantes pequeños, moños y color neutro, característico de telas del siglo XVIII.
Bordado de flores del siglo XVIII.
Vestidos elaborados en el siglo XVIII, nótese la complejidad y bordados recargados, Balmain también se caracterizó por una silueta con uso de crinolina.
Bordado en relieve del siglo XVIII, han sido sello de la marca.
Un diseñador puede tener su estilo tanto al momento de diseñar como al de ilustrar, en el caso de Jean Paul Gaultier, diseñador de moda francés, comenzó mandando sus bocetos a diseñadores que admiraba, pero debe quedar claro que admirar a alguien no siempre va de la mano con poder inspirarte, alguien que logra inspirarnos es alguien a quien mitológicamente se le llama musa (del griego Μοῦσαι Mousailas) deidades que eran consideradas diosas inspiradoras y protectoras de las artes y ciencia, poco a poco por nuestro contexto actual se ha ido perdiendo el significado tan importante que se les daba en aquellos tiempos a estos personajes, pero Gaultier no dejó de lado este significado y sabía diferenciarlo bien de entre quien admiraba y quien lo inspiraba, para él su musa era la modelo rusa Krasivaya quién lo llevaba a la afluencia de sus ideas y a fecundarlas.
krasivaya, modelo rusa inspiración de Gaultier.
El estilo de Jean siempre ha prevalecido como inusual en su estilo y desfiles por sus creaciones, uno puede diseñar inspirado en una musa o en un algo sin perder su sello como creativo, siguiendo este aspecto el modisto francés logró introducir modelos que antes no se veían en pasarelas como hombres viejos y mujeres poco delgadas, modelos tatuadas y con piercings, pero siempre siendo fiel a su estilo peculiar y extravagante donde fusionaba la ropa callejera y en la alta costura que aunque era más formal continuaba con esa línea de personalidad.
Boceto de Gaultier para kylie Minogue.
Estilo particular y trazos únicos.
No podemos olvidar que la forma de expresión de un diseñador debe ser de forma completa, es decir, necesita tener congruencia con sus diseños e ilustraciones e incluso con cualquier otra rama en la que incursione, esta relación la podemos notar en sus bocetos donde cada uno tiene una actitud sin igual, la posición con la que los dibuja nos causa una impresión sobre las personas ilustradas en aquellos papeles, los trazos, los rasgos, colores o técnicas nos muestra su estilo; para una forma más clara de entender como es coherente y fiel a su modo inusual y egocentrista les dejo un video de una canción de ritmos house creada por él a la que llamó “How to do that”, en ella podemos ver desde sus bocetos, diseños, forma de trabajar y proyectar desfiles hasta como lo mencioné la forma en que no deja su estilo aunque irrumpa en otros campos, en este caso la música:
Canción house de Gaultier "How to do that".
Viendo el video anterior otro estilo de ilustración puede ser el del diseñador japonés Motonari Ono, quien ha crecido con la cultura “manga” y se inspira en las “lolitas”, recordando la definición de musa como ser inspirador, podríamos decir que su musa son las lolitas, si bien las lolitas son muchas, lo que tienda a inspirarlo puede ser una sola o ellas en general como estilo, convirtiendo en su musa a un tipo de chicas en particular a diferencia de Gaultier quién abarca a una única deidad y no sólo el estilo de ella. Si algo tenemos en común los diseñadores es que siempre tenemos una inspiración y conservamos nuestro estilo en cualquier ámbito, siempre llevaremos esa gota nata de esencia que nos permitirá desarrollarnos en lo que deseemos sabiendo identificar a nuestra musa o musas y adaptarlas a nuestros estilos.
"Lolita"inspiración de Motonari Ono.
Abrigos entallados con botones, característica de lolitas.
Medias con ligas,otra marca de las lolitas.
Faldas con volantes y vuelo, retomado de lolitas.
Color rojo y negro, tomado de lolitas goticas.
Colores neutros y claros combinados con obscuros dan inocencia y maldad en conjunto con volantes, moños, entallados y zapatos infantiles.
Mientras piensan en quien es su musa aquí les dejo un poco de las ilustraciones de Motonari Ono para que puedan compararlas con las de Gaultier en sus estilos:
Actitud en su expresión.
Peculiar estilo ilustrativo, notese que a diferencia de Gaultier es en blanco y negro y sinuoso.
Elementos inocente como mariposas y estilo caricatura.
Muchos hemos dicho o escuchado decir ¡Esto está en chino! pero en china o en los países orientales dirán ¿Esto está en español?
La cultura al otro lado del mundo nos es tan ajena, difícil de asimilar y extraña que nos parece de otro mundo, pero el diseñador Lie Sang Bong ha encontrado el equilibrio entre ambas culturas, donde utiliza elementos de americanos y asiáticos para crear una armonía que el ser humano por sí mismo necesita, los países de occidente corresponden a Europa y América, mientras los máximos exponentes orientales son Japón, China e India.
Sus diseños son biculturales al extraer la identidad representativa de cada región, él deja de lado los tabús de que occidente puede ser considerado como un sitio tercermundista y oriente como primermundista por sus altas tecnologías para reconocer que se complementan y así lograr algo grande como lo son sus diseños.
En sus composiciones ha podido unir estas dualidades icónicamente por medio de tigres, flores de loto, cerezo, usando siluetas similares al kimono o al sari (India), emplea seda (China), hace referencia a los dragones por sus formas tan rebuscadas como si fuera el movimiento o postura de los mismos, el color dorado hace alusión a la suerte y fortuna, con el metal o texturas que simulan este material nos recuerda a los samuráis (guerreros del antiguo Japón), como puntos de occidente podemos diferenciar el uso de aplicaciones como cierres, botones y artículos industriales, el uso de cuero, diseños atrevidos y liberales, contrapuesto con el ambiente conservador y tradicional de occidente, otra forma de juntar este ying-yang de culturas es através del contraste de color o texturas en algunos diseños.
Este diseñador coreano no está perdido en el estilo que propone ya que ha detectado el fenómeno de moda que vivimos en nuestro contexto donde habitamos un mundo cada vez más globalizado y donde los occidentales queremos tatuarnos nuestro nombre o alguna palabra en chino, practicar yoga para relajarnos y tener un equilibrio dentro de la sociedad occidental. Lie Sang nos ofrece estos equilibrios al plasmar caracteres chinos a las prendas que si bien no nos podemos hacer un tatuaje podemos portarlo a través de sus diseños, así que cada que pensemos en que somos mundos diferentes debemos razonar sobre que tan alejados estamos realmente.
A continuación les muestro algunos de sus diseños y desarrollos donde podemos observar la unión de estas regiones identificando los elementos característicos desarrollados anteriormente:
Para abordar este tema comenzaré por decirles que una artesanía es aquello que por medio de un oficio o arte se crea un algo con las manos, mientras que un diseño es algo creado de manera más industrial y en repeticiones con su debida justificación; estos conceptos los podemos ejemplificar de la siguiente manera: En el caso de la alta costura podríamos decir que es una artesanía por el alto uso de técnicas manuales pero deja de serlo cuando el diseñador lo justifica.
La diferencia entre el artesano o el arte y el diseño o diseñador es que el arte no justifica lo que hace y el diseño busca tener un fin, investigar y justificarlo, el fin del arte es narcisista, es decir, que su fin es el arte en sí mismo por lo que no se preocupa por los demás, por si les gusta, si es aceptado o si es correcto, mientras que el diseño si debe preocuparse por cumplir con algún objetivo en específico y hacia un público, como diseñadores no podemos diseñar por diseñar, y tener una falta de pensamiento crítico donde digamos que lo hicimos de tal forma porque se nos ocurrió.
El diseñador debe ser superficial, refiriéndonos a superficial por el concepto correcto que es no quedarnos con la capa exterior si no profundizar en los temas, de tal manera que al investigar pueda argumentar sus diseños y darles ese fin.
Estos conceptos han tenido que formar parte de la léxica de la diseñadora gráfica Carolina Naranjo para poder implantar su marca y diferenciarse entre todos los accesorios que nos ofrecen las marcas en la actualidad. Carolina, diseñadora tabasqueña, entabló su éxito a través de una colección de bolsas donde decidió explotar los recursos de su estado, a partir de aquí su sello ha sido constante tras el uso de materia prima de la región como piedras minerales, cuarzos, aguamarina, perlas, madera, semillas, tela, listones y cadenas donde plasma la riqueza de México a través de la icónica de colores y formas llevando las técnicas artesanales a una deconstrucción donde destruye algo ya existente y crea otro diseño o técnica con diferentes materiales y combinaciones que hacen que el producto siga teniendo ese aspecto original y único de las artesanías pero que al añadirle diseño y estar respaldada por conceptos e información sobre lo que desea proyectar logra darnos propuestas que siguen siendo únicas y que cuentan con un argumento justificado sobre cada artículo llevándolo a pasar de lo artesanal al diseño.
¿Quién dijo que lo creativo se pelea con lo científico? algunos que estudian diseño de modas tienen la creencia de que en esta carrera no verán matemáticas o no requerirán esfuerzo, pero son personas que no comprendieron desde un principio la complejidad que puede tener dicha rama. Una forma importante de sobresalir en este medio es innovar con nuevos materiales, formas e incluso con nuevas tecnologías. Hussein Chalayane este diseñador de origen británico a quien podemos llamar “el Físico de la moda” desde sus inicios ha sido muy experimental en su colección de graduación donde presentó atuendos con seda, pero enterró la tela para ver cómo se comportaba y transformaba creando así una nueva variante de ella por lo que llamo la atención y su colección fue comprada en su totalidad, un sello de su identidad fue la practicidad de sus diseños proponiendo prendas o accesorios multifuncionales desde muebles que se convierten en valijas hasta prendas que por medio de la nanotecnología (campo de la ciencia dedicado a la manipulación de la materia a una escala menor de un átomo o molécula) se convierten en otras. El uso de la nanotecnología siguió desarrollándose para adaptarse a nuestro estilo de vida añadiendo joysticks (palanca o controles de mano usada en videojuegos) a las prendas para tener integrado un teclado, calculadoras, ipods, controles remotos, etc. La mayoría de las personas pueden ver en una tela sólo esto, tela, pero Hussein nos muestra la importancia y los alcances que puede tener una tela y las fibras dejando de lado ese aspecto frívolo de ver las cosas de manera simple, investigando y llevando la moda a lo superficial a través de sus propuestas que van con su estilo minimalista y futurista.
Chequen algunas de las propuestas de Hussein y algunos otros diseños que usan las nuevas tecnologías para modificar las telas y su comportamiento a través de la nanotecnología:
Video: Prendas que se transforman de Hussein Chalayane.
Unión y equilibrio entre occidente y oriente.
Aquí se muestra las formas rebuscadas del movimiento de dragones, el color dorado por los samuráis y este aspecto de querreros y los diseños liberales y uso de charol o texturas glamourosas.
Influencia oriental.
Kimono (China)
El tigre sirve como estampado.
Caracteres estampados.
Inspiración la flor de loto.
Flor de loto.
Dorado(oriente)-Azul(occidente) Gris(neutro,unión de culturas).
Anillo de Carolina Naranjo con piedra aguamarina
Carolina su tienda de accesorios, nótese el diseño del lugar que nos remonta al uso de materia prima.
Bolso CaRo Accesorios
CaRo Accesorios propuesta para niños.
Cinta para cabello con textura y moño.
S/S 2008 Tokio, prendas con leds y piedras tipo prismas.
S/S 2009 París.
Instalación de leds.
Ropa ya terminada con leds.
Propuesta de nuevas siluetas.
Vestido burbujas.
Controles integrados a prendas.
Teclado en pantalón.
Leds en playera.
Controles para escuchar música.